Concettuale

La storia dell'arte: dal Neoclassicismo a oggi.

Premessa

«Concettuale» ha assunto in campo artistico un significato polivalente, per cui è necessario fare una premessa sul suo utilizzo. Il primo artista a aver usato programmaticamente la definizione «concettuale» è stato Joseph Kosuth intorno alla metà degli anni 1960. Il suo intento era di proporre opere il cui fine non era il godimento estetico, bensì l’attività di pensiero. Del 1965 è una delle sue opere più famose, «Una e tre sedie», in cui egli espone una sedia vera, un’immagine fotografica e la definizione scritta della parola «sedia». Ciò a cui egli tende è di avviare nello spettatore la riflessione sul rapporto, problematico e conflittuale, che esiste tra realtà, rappresentazione iconica (immagine) e rappresentazione logica (parola). Si comprende come un’arte di questo tipo tende a eliminare qualsiasi significato emozionale, per proporsi con lucida e fredda razionalità. Nell’opera di Kosuth ciò avviene ancora attraverso la proposizione di opere concrete, ma ben presto si comincia a comprendere come si può giungere all’obiettivo concettuale anche facendo a meno di opere materiali o durature.
Arte diviene anche il parlare dell’arte, il comportamento e la riflessione.
Da questo punto comincia il significato più pregnante della categoria «Concettuale»: un’arte che riesce a fare a meno delle opere d’arte. Guardando l’arte del ventesimo secolo da una particolare ottica, ci accorgiamo che l’evoluzione artistica ha seguito una linea di progressive riduzioni o privamenti. Gli artisti si sono aperti territori nuovi di ricerca privandosi di qualcosa che sembrava appartenere indissolubilmente al significato stesso di arte, così come storicamente si era costruito in Occidente.
Si inizia con il fare a meno del naturalismo e della mimesi (Post-Impressionismo e Espressionismo) si procede facendo a meno della prospettiva (Cubismo), del passato (Futurismo), del valore venale dell’opera (Dadaismo), della realtà (Astrattismo), della forma (Informale), fino a giungere a fare a meno dell’opera d’arte. Si è così rotto l’ultimo tabù, in quanto un’arte che si manifesti senza opere era decisamente l’ultima frontiera che restava da conquistare.
Il termine «concettuale» può essere utilizzato in una accezione ristretta, riferito a un gruppo limitato di esperienze, oppure in una accezione più ampia, riferito a tutte le esperienze in cui la mancanza dell’«opera», tradizionalmente intesa, appare il dato caratterizzante. Come già fatto con l’Informale, noi utilizzeremo l’accezione più ampia, comprendendo in questo termine molteplici esperienze, anche tra loro molto diverse, ma che si accomunano per un'intenzionalità di fondo molto evidente.
Cominciamo a delimitare i termini cronologici: il Concettuale inizia alla metà degli anni 1960 e si esaurisce alla fine degli anni 1970, durando appena una quindicina d’anni. Tuttavia rimane una delle fasi più salienti dell’arte contemporanea. In questo periodo troviamo una serie di movimenti e di artisti che, con maggiore o minore consapevolezza, propongono un’arte il cui approccio è effettivamente concettuale: l’Environment, la Land Art, l’Arte Povera, la Body Art, la Narrative Art... Possiamo dividere le esperienze concettuali in due gruppi principali: quelle legate al «pensiero» e quelle legate all’«evento». Nel primo caso abbiamo artisti la cui attività, seppur legata alla produzione di opere concrete, si pone come messaggio prettamente intellettuale. Nel secondo caso rientrano quelle esperienze artistiche che non producono opere, ma solo eventi temporalmente limitati, la cui traccia rimane solo nella testimonianza (fotografica, filmica o altro) dell’evento stesso.

Il «pensiero» concettuale

Le premesse più dirette dell’atteggiamento concettuale devono essere individuate soprattutto in alcuni movimenti in via di definizione già negli anni 1950 e agli inizi degli anni 1960. Ci riferiamo soprattutto al «New Dada» e alla «Minimal Art». Con New Dada s'intende un movimento nato inizialmente negli Stati Uniti e i cui protagonisti americani coinfluiranno in seguito nella Pop Art (Rauschenberg e Jasper Johns). Caratteristica di questo movimento fu soprattutto il recupero, in chiave dadaista, dell’oggetto d’uso quotidiano da inserire nelle opere d’arte. Atteggiamento che finirà per attraversare trasversalmente molti fenomeni artistici del dopoguerra: l’uso e la manipolazione di oggetti presi dalla realtà è tratto comune a molti movimenti e artisti.
In Italia il fenomeno del New Dada arriva agli inizi degli anni ’60 con il gruppo dei Nouveaux Réalistes e in Italia con l’attività di alcuni artisti tra cui il più emblematico rimane Piero Manzoni. Di Manzoni rimangono celebri alcune provocazioni, quali le famose scatolette con i suoi escrementi, il cui significato non può che essere concettuale.
Con il termine «Minimal Art» s'intende un movimento, nato anch’esso negli Stati Uniti negli anni 1960, la cui produzione si caratterizza per grandi strutture tridimensionali, realizzate in forma di geometria assoluta, spesso metalliche a tinte unite, unite secondo criteri di asettica composizione. Le strutture minimaliste si pongono quindi a una fruizione da cui è del tutto escluso il piacere estetico, ma in cui prevale l’atteggiamento di freddo razionalismo.
Nel corso degli anni Sessanta e Settanta, i movimenti che più si pongono in linea con queste premesse sono soprattutto tre: l’«Arte Concettuale», intesa nel senso più proprio, l’«Arte Povera» e la «Narrative Art». Nel primo gruppo possono essere inclusi oltre al già citato Joseph Kosuth, gli americani Bruce Nauman e Lawrence Weiner, il tedesco Joseph Beuys, l’italiano Giulio Paolini. Con il termine «Arte Povera» si fa invece riferimento ad un gruppo di artisti italiani (Mario Merz, Alighiero Boetti, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Michelangelo Pistoletto e altri), presentati per la prima volta nel 1967 dal critico Germano Celant. Il termine nacque a designare un’arte fatta di elementi primari (acqua, terra, luce...) che non disdegnava l’uso, alla maniera New Dada, degli oggetti presi dalla realtà più umile: stracci, giornali vecchi e così via. Infine nella «Narrative Art» ritroviamo una serie di artisti che lavorano utilizzando testi scritti e immagini fotografiche, spesso a sfondo autobiografico, per costruire percorsi narrativi indipendenti, dove i testi narrano una storia mentre le foto ne narrano un’altra. Anche qui la derivazione dall’approccio già sperimentato da Joseph Kosuth appare evidente.

L'«evento» concettuale

In questa categoria possiamo includere gli artisti e i movimenti la cui attività si esprime soprattutto attraverso happening e performance. Ricordiamo che, benché i due termini sono quasi equivalenti nel significato di fondo di esibizione, la differenza consiste nel fatto che l’happening è un’azione in cui gioca un ruolo determinante l’improvvisazione e il caso (spesso prevede anche il coinvolgimento del pubblico), mentre la performance è un’azione o un evento pianificato, il cui esito non è casuale ma è quello che specificamente l’artista vuole ottenere.
In senso più generale oggi è maggiormente usato il termine performance per indicare qualsiasi operazione artistica basata sull’esibizione di tipo teatrale. Il precedente più diretto è da individuarsi senz’altro nell’opera di Jackson Pollock, la cui pittura avveniva con una gestualità che, indipendentemente dal prodotto finito, già aveva valenza spettacolari e estetiche.
Sono anche da ricordare i precedenti più storici, in quanto i primi a pensare all’arte come spettacolo sono stati senz’altro i futuristi, con le loro «Serate futuriste», subito seguiti dai dadaisti del «Cabaret Voltaire».
Negli anni Sessanta la tendenza all’uso dell’azione teatrale e spettacolare trova sbocco in due direzioni principali: la «Body Art» e la «Land Art». Con il primo termine si indicano gli artisti che tendono a utilizzare se stessi in prima persona nell’evento proposto. Spesso, soprattutto negli anni Settanta, queste performance tendevano ad un effetto choc ai limiti dell’irrazionale, quali il prodursi ferite o nell’infliggersi dolore per produrre negli spettatori livelli di emozione sicuramente inediti. In altri casi la performance aveva effetti meno cruenti, mettendo in gioco meccanismi quali il travestimento o l’azione collettiva.
Con il termine «Land Art» si indicano le operazioni, spesso condotte a scala territoriale, di durata limitata, che, come le performance, lasciano solo una traccia documentaria alla fine del suo accadere. Il caso più emblematico è quello dell’artista bulgaro Christo, divenuto famoso per avere completamente avvolto monumenti di grande dimensione, quali il Pont-Neuf a Parigi o il Palazzo del Parlamento di Berlino, o ambienti naturali, quali un tratto di scogliera in Australia o un’intera isola in Florida. Ovviamente, l’effetto spettacolare di un simile impacchettamento è indubbio, proponendo una diversa percezione della scala di rapporti tra uomo e spazio, ma non può che essere contenuta in tempi molto ristretti, qualche ora o al massimo qualche giorno.
Altro caso tipico della «Land Art» è l’operazione «Lightning Field» dell’artista americano Walter De Maria, consistente in 400 pali d’acciaio infissi a distanze costanti, in un tratto inaccessibile del deserto del New Mexico. Questa imponente installazione è nota soprattutto attraverso le foto, e alla fine, come altre operazioni concettuali, funziona soprattutto per ciò che fornisce alla definizione di pensieri e concetti nuovi in campo artistico.

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